L'art chez Amtrak

Art at Amtrak, le programme officiel d’art public d'Amtrak, présente des projets artistiques divers, uniques et mémorables pour améliorer, revigorer et humaniser l’expérience de voyage dans les gares Amtrak. Le programme artistique reflète et célèbre la prééminence créative de chaque région en présentant des artistes contemporains dans le cadre d’expositions tournantes.

Le programme lancé à la gare Penn Station de New York en juin 2022, s’est étendu à Moynihan Train Hall en été 2023, à la gare Union Station de Washington, à la gare William H. Gray III de 30th Street en automne 2023, à la gare Union Station Chicago en automne 2024 et à la gare de Lancaster en hiver 2025.

Art at Amtrak est organisé et produit par Debra Simon Art Consulting.

LIBBY MODERN ET JILL C. GOOD

A Place for Every Piece : La courtepointe vivante de Lancaster
Tissus offerts par les membres de la communauté locale

Gare de Lancaster, Lancaster, Pennsylvanie

Les courtepointes sont des symboles de chaleur, de confort et de nouveau départ, souvent fabriquées à partir de matériaux recyclés tels que de vieux vêtements, du linge de maison et des chutes de tissu. Ces éléments se réunissent pour créer quelque chose de significatif et de cohérent, tissant ensemble des histoires individuelles et des histoires collectives. La courtepointe communautaire présentée dans la gare de Lancaster est le résultat d’un effort de collaboration entre les artistes locaux Libby Modern, Jill C. Good, 120 participants qui ont fait don de vêtements ainsi que plusieurs organisations locales, dont la bibliothèque publique de Lancaster, Church World Service, McCaskey High School Art Club, Redeemer Lutheran Church, curio. Galerie et fournitures créatives et art public de la ville de Lancaster.

Pour en savoir davantage sur le projet allez à itsmodernart.com/quilt ou sur Instagram @aplaceforeverypiece.

Libby Modern est une artiste et designer résidant à Lancaster, en Pennsylvanie, dont le travail explore l’intersection de l’art et du graphisme pour répondre à des problèmes sociaux et communautaires urgents. Chez Modern Art, son studio situé au cœur de la ville, Libby dirige une entreprise de design primée spécialisée dans les stratégies de communication innovantes pour les organisations à but non lucratif, tout en maintenant une pratique artistique socialement engagée axée sur la sensibilisation du public et l’implication communautaire. 

Jill C. Good est une quilteuse et artiste textile de Lancaster, en Pennsylvanie, dont le travail mélange les traditions du quilting du comté de Lancaster avec des techniques modernes d’improvisation. Grâce à des expositions personnelles, des expositions en galerie et des commandes privées, son art a suscité un public fidèle. Jill explore les intersections de l'artisanat, de la couleur, de la texture et du motif pour réfléchir aux perspectives des femmes dans les domaines domestique et public.

isitez le Modern Art Studio à Lancaster, PA, consultez leur site Web itsmodernart.com et suivez les artistes sur Instagram @itsmodernart @jillcgood.

BIG DANCE THEATER

The Oath, 2024
Chorégraphie d’Annie-B Parson avec la cinéaste Alla Kovgan

Moynihan Train Hall, écrans numériques
En partenariat avec Empire State Development

« Depuis le début des temps, dans la communauté, le clan, la congrégation et le club, nous avons créé des systèmes de mouvement à l’unisson; depuis le début du monde, nous avons évolué dans des chorégraphies de grands groupes. La création de The Oath a commencé comme une exploration chronologique de l’enregistrement commun de l’humanité de ce mouvement vernaculaire et poétique à l’unisson, mouvement qui est pratiqué dans un but et pour le plaisir, à la fois utopique et dystopique. C’est The Oath, une assemblée de danseurs pratiquant notre impulsion humaine à incarner une déclaration physique plus large afin de créer des liens, de lier, d’intimider, de rassembler, de croire, d’envisager, de promettre - de danser. »

The Oath est une pièce de danse de 20 minutes commandée et présentée au Perelman Performing Arts Center sur l’ancien site du World Trade Center en décembre 2023. Le poids émotionnel de la conclusion du spectacle a inspiré la chorégraphe Annie-B Parson à créer un film pour prolonger la vie de son travail – sa première incursion indépendante dans le cinéma. Comme le note Parson, « la création de The Oath était une combinaison de perte et de curiosité artistique ». En collaboration avec la cinéaste Alla Kovgan, Parson a soigneusement conçu la vision pour traduire la danse à l’écran. Tourné en seulement deux jours, le film de 20 minutes a été édité en extraits sélectionnés pour être affiché sur 42 écrans au Moynihan Train Hall, marquant la première fois qu’un spectacle de danse a été présenté dans l’espace.

Interprété par : Mawu Ama Ma'at Gora, Brooke Ashley Rucker, Stacy Dawson Stearns, Natalie Green, Meg Harper, Hsiao-Jou Tang, Jin Ju Song-Begin, Kashia Kancey, Joanna Kotze, Jenn Nugent, Devin Oshiro, Pamela Pietro, Kendra Portier, Chanel Stone, Paz Tanjuaquio, Isabel Umali et Devika Wrickmesinghe.

Annie-B Parson est une figure visionnaire de la danse contemporaine et de la performance, reconnue pour sa pratique artistique inventive et transdisciplinaire. Parson a collaboré avec un large éventail d'artistes, comme Mikhail Baryshnikov, David Byrne, Esperanza Spalding et David Bowie.

Alla Kovgan est une cinéaste basée à New York avec plus de 25 années d’expérience dans le mélange du cinéma et des arts de la scène. Elle est surtout connue pour Cunningham (2023), un film 3D sur le chorégraphe Merce Cunningham, qui a remporté le Prix Italia et a été distribué dans 35 pays. Son court métrage Nora (2008), sur la chorégraphe zimbabwéenne Nora Chipaumire, a remporté 30 prix dans le monde entier. Kovgan a également codirigé et édité Movement Revolution Africa (2007) et Traces of the Trade (2008), nominés aux Emmy Awards et édité My Perestroika (2010). Elle a créé l’expérience en réalité virtuelle 3D Devil’s Lungs, qui a remporté le 2018 Grand Prix Vienna Shorts.

Fondé en 1991 par Molly Hickok, Paul Lazar et Annie-B Parson, le Big Dance Theater est réputé pour son mélange de danse, de musique, de texte et de design visuel. Leur travail couvre la danse pure, les pièces de danse-théâtre et les adaptations expérimentales de la littérature. En 33 ans, la compagnie a créé plus de 25 pièces de danse/théâtre à grande échelle, développées grâce à une vaste collaboration avec un ensemble diversifié d’artistes.

Suivez Big Dance Theater sur Instagram @bigdancetheater et visitez leur site Web pour voir l’intégralité de leurs crédits de films sur bigdancetheater.org/shows. 

Amtrak, grâce à son programme d’art public, Art at Amtrak, est fière d’annoncer sa toute dernière série d’installation alors qu’elle prolonge le salon Metropolitan à la gare Washington Union. Pour le projet, trois artistes, Eirini Linardaki, Tim Doud et Karen Margolis, ont chacun conçu une pièce unique spécifiquement pour l'espace qui intègre des aspects de la gare historique ainsi que la culture et la géographie locales de Washington, DC dans leur travail. L’art sert d’amélioration permanente à notre espace de salon haut de gamme et restera un point central au sein du salon Metropolitan pour des années à venir.

EIRINI LINARDAKI

I see the sky from where I am_ 1, 2 et 3, 2024
Collage numérique

Salon Metropolitan à la gare Washington Union

Cette série de trois collages pour la gare Union à Washington, DC célèbre le dynamisme de la capitale de notre pays. Utilisant des tissus issus des nombreuses cultures qui habitent Washington, DC, les pièces combinent des éléments architecturaux de la gare, comme des vues sur le grand hall de départ et les plafonniers encastrés, avec des références subtiles aux trains eux-mêmes. La pièce centrale offre une vue panoramique sur la salle historique de la gare Union, avec une cariatide (une figure féminine sculptée qui sert de support architectural, généralement à la place d’une colonne) réinventée comme la muse de la gare. Rendant hommage à une statue qui se trouvait autrefois dans le hall en 1908, cette figure incarne l’esprit et l’histoire de la gare. Encadré par des éléments de design Beaux-Arts, ainsi que des tissus traditionnels et contemporains, il transforme l’espace en une tapisserie de cultures de rêve. Les deux collages adjacents représentent un arbre centenaire, symbolisant l’unité et la croissance de la nation, et un paysage modelé issu d’un voyage Amtrak le long de la côte Est, mêlant histoire, voyage et culture dans un récit vivant de diversité.

TIM DOUD

A Great Public Walk, 2024
Acrylique sur panneaux bois

Salon Metropolitan à la gare Washington Union

Lorsque Pierre Charles L’Enfant a conçu « La ville fédérale » de Washington, DC, il a adopté une approche égalitaire. Le centre commercial a été conçu autour de l’idée que chaque citoyen est tout aussi important. A Great Public Walk reflète le rôle de la gare Union en tant que plaque tournante locale, régionale, nationale et internationale. Le collage peint présente un patchwork de vêtements et de textiles que Doud a vu porter par des personnes à Union Station, reflétant la population et la démographie de tous ceux qui utilisent la station et qui incarnent le district lui-même. Le modèle du collage est dérivé de la carte du National Mall à DC, en particulier autour de Lafayette Park, de l’Ellipse et du Washington Monument. Cet endroit est le centre du gouvernement et de son histoire complexe, attirant et accueillant des gens de tout le pays et du monde entier. C’est un lieu, pour reprendre les mots de L’Enfant, « ouvert à tous ». A Great Public Walk a été l’installation inaugurale d’Art at Amtrak au hall public de la gare Washington Union à l’automne 2023.

Tim Doud, né en 1961, est diplômé de la School of the Art Institute of Chicago avec un MFA en peinture et dessin. Il est le cofondateur de STABLE à Washington DC, du projet 'sindikit à Baltimore et co-éditeur de Out of Place : Artists, Pedagogy and Purpose. Le processus de fabrication l’intéresse, tout comme la lisibilité et l’aspect final de l’objet réalisé. Les peintures et dessins de Tim Doud s’inscrivent dans deux courants de travail en apparence distincts, l’un figuratif et l’autre abstrait. Ces œuvres servent de toile de fond à des discussions plus générales sur les identités construites, l’image de marque et la culture des produits de base. Historiquement, il est portraitiste et s’intéresse au fonctionnement du portrait en tant que pratique et signifiant culturel. Quand il entreprend une nouvelle série d’œuvres, qu’elles soient figuratives ou abstraites, il définit des périmètres, c’est-à-dire des règles et des obstacles qui déterminent l’élaboration et la réalisation de l’œuvre.

Suivez-la sur Instagram @timdoud_art et découvrez son site Web timdoud.net.

KAREN MARGOLIS

Sakura, 2024
Papier, fils métalliques, fibres, cartes et autres supports mixtes
y compris les objets trouvés montés sur grillage

Salon Metropolitan à la gare Washington Union

Sakura capture une expérience impressionniste du paysage spectaculaire de Washington, DC de la nuit au jour et de l'aube au crépuscule à travers la couleur et la texture. Margolis a créé un assemblage de tapisserie vibrant et luxuriant à partir de matériaux mis au rebut. Inspirée par la philosophie wabi-sabi honorant la beauté de l’imperfection, son processus vise à remodeler les ruptures personnelles, collectives et historiques grâce au pouvoir de la couleur et de la forme. Margolis utilise des cartes pour connecter le corps, l’esprit et l’environnement. Elle considère le papier comme un contenant pour les idées et les sentiments et la sphère comme l’ordre parfait pour contenir le chaos de la vie. Margolis moule les cartes et les matériaux endommagés sous forme sphérique en tant que transformation alchimique de l’énergie, générant une nouvelle vie à partir de fragments. Les états de transition des fleurs de cerisier, ou Sakura, de la floraison à la décomposition et à la renaissance sont des symboles intégraux tout au long de l’œuvre, faisant allusion à la turbulence et à la vitalité qui incarnent la nature éphémère de l’existence. Vous pouvez également trouver l'œuvre de Margolis, Continuum, dans le salon métropolitain du Moynihan Train Hall.

Karen Margolis est une artiste multidisciplinaire, utilisant des procédés expérimentaux avec la structure, la forme et la matérialité qui brouillent la distinction entre les mondes intérieurs et extérieurs et font allusion à des états de transition. Elle a créé une installation d’art public pour la foire Art on Paper Fair 2020 et a réalisé une commande d’art public de panneaux de mosaïque pour la station de métro MTA Arts in Transit Brooklyn 86 Street N line subway station in 2018. Parmi les expositions individuelles récentes, citons 490 Atlantic Gallery, Brooklyn, Foley Gallery, New York, K. Imperial Fine Arts, San Francisco et Garish & Hahn, Los Angeles. Son travail a été inclus dans l’exposition « Cut up/Cut out », qui a voyagé dans des musées régionaux à travers les États-Unis de 2016 au 2021. Le travail de Margolis a été présenté à la Biennale du papier au Musée de Rijswijk aux Pays-Bas et a fait l’objet d’expositions individuelles à l’Université de Bridgewater, MA, au Salon Zurcher, Paris et en collaboration avec M Missoni, New York City, par l’intermédiaire de Garish & Hahn. Ses expositions précédentes ont eu lieu au Rockland Center for the Arts, au Hunterdon Art Museum, au Weatherspoon Art Museum, au Fine Arts Center de l’université du Massachusetts à Amherst, au Aldrich Museum of Contemporary Art, au Parrish Art Museum et au Centre d’art contemporain du Delaware. Margolis a bénéficié d’une résidence de travail à Dieu Donne Papermill et d’une bourse de la Fondation Pollock-Krasner. Résidant à New York, elle est titulaire d’une licence en psychologie et d’un certificat en microscopie. Son travail est représenté au niveau international dans des collections publiques.

Suivez l’artiste sur Instagram @karenmargolis et découvrez son site Web karenmargolisart.com.

CAROLINE KENT

Daydreaming, 2024
Impression numérique sur du film vinyle adhésif

Union Station de Chicago

Ornant le couloir du niveau inférieur et les fenêtres faisant face aux voies de la gare Union de Chicago, Daydreaming de Caroline Kent rend hommage aux moments éphémères, mais persistants du voyage qui s'imprègnent dans nos souvenirs. L'œuvre saisit l'essence de ces rencontres fugaces : des objets et des architectures qui semblent fusionner en images, mais qui se clarifient plus tard dans nos esprits en compositions vibrantes.

Les scènes sont à la fois familières et oniriques : un détail architectural sur une façade de bâtiment, l'éclaboussement d'une fontaine ou une grange solitaire se tenant paisiblement au loin. Avec le temps, les sons, les couleurs et les odeurs de chaque expérience s'entrelacent, formant une narration fragmentée, mais touchante qui est cachée et revisitée durant des moments d'introspection. Les formes, les couleurs, la composition et la matérialité translucide de Daydreaming encapsulent les manières dont nous réorganisons ces souvenirs émouvants, façonnant des emblèmes visuels de voyages passés qui changent et évoluent avec le temps, certains résonnant plus que d'autres.

Caroline Kent est une artiste visuelle basée à Chicago. Elle a obtenu un baccalauréat ès sciences en art à l'Université d'État de l'Illinois et un MFA à l'Université du Minnesota. Elle est récipiendaire du prix Artadia Chicago de 2020 et est actuellement professeure adjointe d'art, de théorie et de pratique à l'Université Northwestern.

POSE

Accord, 2024
Impression numérique sur du film vinyle adhésif

Union Station de Chicago

Pour l'installation à la gare Union de Chicago, POSE visait à transformer l'espace en un récit narratif abstrait lumineux, librement inspiré d'une séance photo de mariage qui se déroulait dans la gare lors de sa première visite. Cette séance photo a rappelé à POSE que la gare représente la connexion... qu'elle rapproche les gens, rendant ainsi les relations possibles. Il a utilisé ce concept pour créer sa propre narration visuelle non linéaire, intitulée Accord, qui se déploie sur les murs de la gare et engage les spectateurs dans une histoire en plusieurs couches.

La conception de l'installation évoque une bande dessinée géante qui déborde des panneaux et engloutit le spectateur, reflétant les récits de passagers qui se chevauchent alors que les gens se déplacent dans la gare, chacun en voyage, bien que momentanément dans le même espace, en attendant de prendre leur train. Comme les personnages d'Accord, POSE encourage les spectateurs à dépasser ce qui est familier et à explorer le monde, à se connecter aux autres et à vivre la profonde libération qui se manifeste lorsque nous récompensons notre esprit curieux par le voyage.

L’artiste POSE (Jordan Nickel) possède une capacité inventive à transformer des objets et des émotions courants en œuvres d’art élaborées et percutantes grâce à son utilisation caractéristique de couleurs éclatantes, de symbolisme superposé, d'applications multimédias et de récits riches. Il est attiré par des émotions humaines universelles telles que l’amour, la perte et le triomphe, et les présente tant dans des œuvres d’art bidimensionnelles de petite et grande taille que dans des installations tridimensionnelles. Né dans l'Illinois, il vit et travaille actuellement à Chicago.

CHAD KOURI

Reflection Pools Monument, 2024
Impression numérique sur du film vinyle adhésif

Union Station de Chicago

Les cercles métalliques argentés de Reflection Pools Monument encouragent une expérience d’observation approfondie qui privilégie la perspective du spectateur. Inspirés des anciens jardins persans, les bassins réfléchissants sont des surfaces d'eau tranquille qui agissent comme des miroirs, offrant un moment de pause pour réfléchir tant physiquement que mentalement. De manière similaire, les cercles métalliques argentés dans l'œuvre de Kouri invitent les spectateurs à observer leur environnement d'un point de vue apaisant. Ensemble, la surface circulaire réfléchissante et les arrière-plans de couleur plate sont destinés à vous procurer un sentiment de calme, de stabilité et de bienveillance.

Remarquez comment différents aspects de votre environnement se déplacent et deviennent flous pendant que vous vous déplacez. Prenez note de la façon dont les cercles changent lorsque vous passez devant à différents moments de la journée. Ce « changement » sert de rappel pour mener une vie de curiosité plutôt que de mépris, d’émerveillement plutôt que de ressentiment, et de respect pour vous-même et pour le monde qui vous entoure.

Chad Kouri est un artiste, musicien et conteur basé à Chicago, intéressé par les pouvoirs curatifs de la couleur, du son et de l'abstraction. Son identité multiculturelle se reflète dans sa pratique artistique pluridisciplinaire, avec un intérêt pour la théorie des couleurs, la communication visuelle, la joie radicale, la justice sociale et l'autonomisation des communautés.

NEKISHA DURRETT

Farewell, We’re Good and Gone, 2024
Impression numérique sur du film vinyle adhésif

Washington Union Station

Farewell, We're Good and Gone incite les spectateurs à réfléchir à ce qui est révélé ou caché lorsque des informations sont filtrées à travers le temps. À travers des histoires personnelles et collectives mêlant joie et souffrance, l'artiste Nekisha Durrett éclaire des récits marginalisés de résistance tranquille et de résilience spirituelle durable.

Cette installation spécifique au site amplifie un aspect central, mais souvent négligé, de l’histoire américaine : La Grande Migration. L'œuvre aborde les plus de six millions d'Afro-Américains qui ont migré vers le Nord et l'Ouest de 1916 à 1970, ainsi que les chemins de fer qui ont rendu ce mouvement possible. Durrett a utilisé l'IA Midjourney pour créer une archive de figures noires aventureuses et pleines d'espoir, qu'elle a placées dans le premier plan, évoquant le parcours de sa propre famille de la Caroline du Nord à Washington, DC, à la recherche de meilleures possibilitées économiques et en éducation.

Ces figures, ainsi que des objets pertinents à ce moment de l'histoire, sont disposées dans une grille triangulaire superposée à un dégradé de couleur. Cette grille s'inspire des fenêtres complexes de type cathédrale dans le Grand Hall de la gare et des motifs géométriques colorés utilisés par les courtepointiers afro-américains. Les courtes pointes jouaient un rôle crucial durant la Grande Migration, car leurs motifs codifiaient des messages secrets pour ceux qui fuyaient le Sud durant l'esclavage. Les voyageurs contemporains se tiennent sous cette œuvre communicative et se rappellent comment la résilience des Noirs a motivé une quête inspirante de liberté durant une époque souvent marquée par la peur et l'incertitude.

Nekisha Durrett est une artiste pluridisciplinaire basée à Washington, DC, qui utilise le langage visuel des médias pour mettre en lumière des histoires souvent négligées. Son travail examine l'incertitude de la mémoire et comment les biais filtrent l'information au fil du temps, tout en faisant référence aux histoires individuelles et collectives de la vie et de l'imagination des Noirs. Durrett a obtenu un baccalauréat en beaux-arts à The Cooper Union à New York et une maîtrise en beaux-arts à l'Université du Michigan.

ÉCOLE DE DANSE VIVA

Performance de danse interprétative, 2024

Washington Union Station

Les danseurs de la Viva School, basée à Washington, DC, célèbrent le dévoilement de l'œuvre de Nekisha Durrett, Farewell, We're Good and Gone, avec trois représentations le 1 octobre 2024.

ROXANA AZAR

Flourish, 2024
Fenêtres, Cira Skybridge, imprimé numérique sur pellicule mirage moirée

Gare William H. Gray III 30th Street de Philadelphie
Guichet du service à la clientèle, hall principal

L’art de Roxana Azar est centré sur comment les plantes peuvent pousser, même dans des circonstances difficiles. En manipulant numériquement les photographies, l’artiste crée des oeuvres inspirées des plantes qui évoquent la vitalité d’environnements prospères et luxuriants remplis de mouvement et d’énergie.

Flourish a été créé en superposant, en réduisant et en manipulant des photos prises dans des serres de tout le pays. Une serre crée et maintient les conditions pour que les greffes prospèrent, malgré le changement de lieu et de climat pour la plante. Les fenêtres du Cira Skybridge sont transformées en un espace de style serre où les formes botaniques d’Azar, créées avec des couleurs audacieuses et des gestes simples, bougent et flottent harmonieusement aux cotés de l’activité sur le pont. De façon similaire, l’imprimé numérique sur pellicule mirage moirée est censé être vu en mouvement. Les couleurs et les formes ondulent lorsque vous passez à côté. Les compositions enjouées marquent un parallèle entre les racines vitales des plantes et l’importance de nos systèmes de transport. Nos réseaux de transports, tout comme les éléments d’une plante, sont une partie intégrante de la création de rapports et d’aide à la prospérité et développement des réseaux de personnes.

Roxana Azar est une artiste pluridisciplinaire de Philadelphie. Ses sculptures en plexiglas, son art de lumière et ses collages de photos numériques créent des expériences visuelles dynamiques et variables. Les images inspirées par la nature sont déformées et manipulées à travers des transparences, des sombres qui changent de couleur et des matériaux réfléchissants. Son œuvre inclut des vases holographiques, des portables, des meubles et fleurs en lucite avec des collages d’images de serres et de jardins.

CHITRA GANESH

Regeneration, 2024
Impression numérique sur du vinyle adhésif

Rotonde de Penn Station

Installée à Brooklyn, l’artiste Chitra Ganesh a développé un vaste ensemble d’œuvres qui prennent racines dans le dessin et la peinture, et qui comprennent désormais des animations, des collages, des installations à grande échelle, des fresques murales, des vidéos et des sculptures. Chitra Ganesh utilise son œuvre pour réconcilier les représentations de la féminité, de la sexualité et du pouvoir et pour aborder l’interconnexion de l’expérience humaine et de l’environnement naturel.

Tout comme l’animation numérique Coherence que Ganesh a créée pour le Moynihan Train Hall, Regeneration, à Penn Station, incite les spectateurs à ralentir et à se détacher de leurs déplacements quotidiens en découvrant une œuvre spécifique qu’elle a conçue en réponse à l’espace. Elle met en scène des éléments naturels dans un style graphique qui évoque des aspects de la culture pop et des bandes dessinées, qui font écho à la science-fiction et au voyage dans l’espace-temps.

Certains thèmes, comme la rose de Jéricho et la plante Welwitschia du sud-ouest de l’Afrique, représentent la résilience, puisqu’elles peuvent naturellement vivre longtemps et se régénérer après des phases de dormance. Une grande partie des plantes représentées sont fréquentes, comme les pissenlits et les iris, que l’on peut trouver dans la ville de New York, tandis que les fruits, comme les mandarines ou les olives, ont une signification culturelle spécifique. En dehors des murs de la gare, ces éléments naturels ponctuent l’expérience du stress urbain d’une beauté et d’une abondance qui persistent au-delà des limites de l’humanité.

L’œuvre Regeneration a pour objectif de nous ancrer et de nous rappeler la vivacité et la vie qui s’épanouissent en dehors des formes et des réalités construites par l’homme. L’installation nous reconnecte avec des éléments qui transcendent les habitudes et le désir, encourageant une régénération de la perspective et une réinitialisation à la fois mentale et physique.

EIRINI LINARDAKI

Working Background, 2024
Impression numérique sur du film vinyle adhésif

Penn Station, hall de départ et passage Hilton

Artiste profondément ancrée dans les transports publics par le travail de son père, chauffeur de bus en Grèce, Eirini Linardaki est fière de présenter Working Background, qui incorpore des tissus et des motifs trouvés à la fois dans la gare et dans le quartier textile voisin. Ces motifs représentent le multiculturalisme, l’énergie et la force de Penn Station ainsi que son importance pour la ville. On retrouve au cœur du projet des portraits des personnes dévouées qui permettent à Penn Station de fonctionner au quotidien. Qu’il s'agisse des électriciens de traction, des ingénieurs systèmes, des agents d’entretien de la gare ou des célèbres agents du service Red Cap d’Amtrak, cette œuvre est une ode à leur engagement et aux liens humains qui soutiennent nos systèmes de transport public.

Eirini Linardaki utilise des moyens numériques et analogiques pour créer des collages qui évoquent des sentiments de mémoire et des thématiques d’échange sociétal et de communauté. Elle cherche à promouvoir la compréhension et l’appréciation interculturelles, à être un catalyseur de dialogue et de connexion.

Née à Athènes, en Grèce, Eirini Linardaki est une artiste visuelle franco-grecque et conceptrice de projets d’art public, installée à New York, à Newark et en Crète. Depuis sa jeunesse à militer pour l’environnement en Grèce jusqu’à son travail plus tard avec Handicap International au Liberia auprès de personnes handicapées, son parcours est jalonné par l’action environnementale, l’engagement en faveur de la justice sociale et les liens humains.

Elle a étudié les beaux-arts au L.I.T. de Limerick, en Irlande, à l’Universität Der Kunst de Berlin, en Allemagne, et à l’École des beaux-arts de Marseille, en France. Ses projets, qui reposent sur l’engagement communautaire, mettent l’accent sur l’accessibilité et le multiculturalisme.

Eirini Linardaki a réalisé de nombreux projets d’art public aux États-Unis avec l’aide d’organisations telles que le département des parcs de la ville de New York, le bureau du maire de New York pour la politique climatique et le département des transports de New York. Dans le cadre de sa pratique artistique communautaire, elle a été membre actif de l’Audible's Newark Artist Collaboration, une initiative visant à transformer Newark avec l’art public. En 2024, elle a conçu une installation numérique à grande échelle pour le Grand Central Terminal, sur commande du MTA Arts & Design, et une autre pour l’autoroute Brooklyn-Queens à DUMBO.

Son travail a été récompensé par le 2022 Artivist Award de Sing for Hope et de la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts Newark Artist Accelerator Grant en 2023. Elle est mère de deux enfants.

Suivez l’artiste sur Instagram @linardakiandco et sur son site Web linardaki-parisot.com.

MARISA MORÁN JAHN

Re/Connections, 2023
Impression numérique sur tissu

Block 675 Fence, 30th Street, NYC

Situé le long de la West Side Highway de Manhattan, à côté de la rivière Hudson et sur d’anciens marais, Re/Connections de l’artiste Marisa Morán Jahn est une série d’impressions numériques à grande échelle sur un tissu en maille qui réfléchit à notre relation d’interdépendance avec l’eau. 

Re/Connections s’inspire des formes d’art méso-américaines et chinoises de la découpe de papier, dont les perforations sont censées laisser passer le passé. Pour Jahn, qui est d’origine chinoise et équatorienne, les trous à l’intérieur de l’œuvre et la surface grillagée servent de portails ou de passages reliant à la fois les temps et les lieux. Dans Re/Connections, l’artiste médite sur l’histoire du site en tant que route commerciale clé et source de subsistance pour les animaux et les hommes. En plaçant l’œuvre d’art autour de l’aire de transit où Amtrak et la Gateway Development Commission construiront un nouveau tunnel ferroviaire reliant New York et le New Jersey, Re/Connections invite à méditer sur le rôle transformateur des transports et des routes commerciales qui existent encore aujourd’hui. « Notre gestion des ressources publiques telles que l’eau, les chemins de fer et l’espace civique est essentielle pour permettre aux communautés de prospérer et de renforcer leur résilience », déclare M. Jahn.

Les œuvres de Marisa Morán Jahn redistribuent le pouvoir, « illustrant les possibilités de l’art en tant que pratique sociale » (ArtForum). Jahn, qui explore « les espaces civiques et l’art radical du jeu » (Chicago Tribune), conçoit des projets de petite taille ou à l’échelle urbaine avec des familles d’immigrés, des travailleurs domestiques et des habitants de logements sociaux. L’œuvre de Jahn a touché des millions de personnes par le biais des Nations unies, du festival du film de Tribeca, de la Maison Blanche d’Obama, de la Biennale d’architecture de Venise et de la couverture médiatique de la BBC, de CNN, de PBS Newshour, du New York Times, d’Univision Global et bien d’autres encore. Elle a reçu une subvention de Sundance et de Creative Capital, est chercheuse principale au MIT (son alma mater), artiste en résidence au National Public Housing Museum et directrice de la conception intégrée à la Parsons/The New School. Avec Rafi Segal, M. Jahn est coauteur d’un livre intitulé Design & Solidarity (Columbia University Press, 2023), et cofondatrice de Carehaus, le premier projet de co-habitat basé sur les soins aux États-Unis. Elle est représentée par Sapar Contemporary.

Suivez-la sur Instagram @marisa_jahn et découvrez son site Web marisajahn.com.

Nous remercions

Marisa Morán Jahn / Studio REV- 

Micah Campbell Smith, développeur communauté 

Ananya Mishra, assistante studio

ADAM CRAWFORD

EUPHONIC & CHROMATIC DRIFT, 2023
Impression numérique sur film adhésif vinyle transparent

Gare William H. Gray III 30th Street, Main Concourse

La pratique d’Adam Crawford est fondée sur son désir de créer des œuvres d’art visuellement attrayantes et stylistiquement uniques qui s’adressent à un public diversifié. En travaillant sur la commande Art at Amtrak, Crawford s’est concentré sur les lignes fortes de l’architecture existante, la verticalité et la hauteur de l’espace et la symétrie spatiale du hall principal. Il s’est également penché sur la relation entre le mouvement et le son et sur la manière dont ces deux éléments sont amplifiés dans un grand centre de transit, ce qui finit par avoir un impact sur son énergie globale.

L’œuvre qui en résulte, Euphonic and Chromatic Drift, est une peinture murale en vinyle transparent sur les façades des fenêtres aux extrémités est et ouest de la gare, qui utilise des motifs, des bords arrondis et des couleurs en réponse à la composition linéaire de l’architecture. Crawford a utilisé la grille existante comme base et a esquissé des formes et des chemins qui s’étendent à partir et à l’intérieur des lignes de chaque cadre de fenêtre et de chaque colonne. Ses formes résonnantes et ses couleurs saturées communiquent le mouvement et l’énergie à travers les cadres et autour de ceux-ci, faisant écho au flux collectif de tous ceux qui passent par la gare chaque jour.

Adam Crawford vit et travaille à Philadelphie depuis 29 ans. Il est diplômé de l’Académie des beaux-arts de Pennsylvanie et de l’Université de Pennsylvanie. Crawford est particulièrement attiré par les commandes à grande échelle, tant à l’intérieur qu’à l'extérieur, et a réalisé plusieurs peintures murales publiques dans tout Philadelphie.

Suivez-la sur Instagram @acrawfordart et découvrez son site Web adamcrawfordart.com.

Conservatrice et productrice d'arts publics récompensée, Debra Simon compte plus de 30 années d'expérience dans la programmation des arts visuels et du spectacle pour le compte d'organisations civiques, de l'industrie de l'immobilier et pour diverses entreprises. Tandis qu'elle travaillait pour la Downtown Alliance, elle a créé la série de concerts Music at Castle Clinton, Dine Around Downtown, et cofondé le River-to-River Festival en 2002. En tant que directrice de Times Square Arts, Debra Simon a supervisé Midnight Moment, la plus grande exposition d'art numérique sur panneaux d'affichage électroniques au monde, ainsi que le concours annuel de création de cœur de la Saint-Valentin, parmi d'autres projets destinés aux plus de 300 000 visiteurs quotidiens à Times Square. En tant que directrice artistique chez Brookfield Properties, elle a dirigé un programme artistique national chargé de planifier et d'exécuter une programmation multidisciplinaire avec plus de 500 événements gratuits par an à New York, Denver, Los Angeles et Houston. Ses collaborations avec des artistes, des architectes, des paysagistes, des collectifs artistiques locaux et des partenaires de présentation ont renforcé son expertise dans la création et la réorganisation des espaces publics. Ses clients actuels comprennent Amtrak, Taconic Partners, Hudson Yard Hell's Kitchen Alliance, Fifth Avenue Association et Third Street Music School Settlement. Pour plus d'informations, veuillez visiter le site Debra Simon Art Consulting. Pour L'Art chez Amtrak, Debra Simon collabore avec le producteur Common Ground Arts. Visitez dsimonartconsulting.com pour de plus amples renseignements.