L’art chez Amtrak – Œuvres d’art du printemps 2024

CHITRA GANESH

Coherence, 2024
Animations numériques

Moynihan Train Hall, écrans numériques du hall principal
En partenariat avec Empire State Development

Au cours d’une pratique de 20 ans, l’artiste Chitra Ganesh, basée à Brooklyn, a développé un vaste ensemble d’œuvres enracinées dans le dessin et la peinture, qui a évolué pour englober des animations, des collages, des images générées par ordinateur, de la vidéo et de la sculpture. Ganesh utilise son œuvre pour réconcilier les représentations de la féminité, de la sexualité et du pouvoir et pour aborder l’expérience humaine. Elle s’inspire souvent de l’iconographie hindoue et bouddhiste et des formes d’art sud-asiatiques, comme Kalighat et Madhubani.

La séquence de mouvements présentée dans Coherence s'inspire de la « respiration cohérente », une pratique méditative et concentrative qui consiste à prendre des respirations longues et profondes à un rythme lent. Ce type de travail respiratoire a des racines dans les cultures anciennes et, lorsqu’il est associé à de simples mouvements synchronisés, aide à aligner le système nerveux sympathique et peut être utile dans le traitement de l’anxiété, de la dépression et du trouble de stress post-traumatique (TSPT). La pratique peut également renforcer la capacité et l’espace d’un individu afin qu’il puisse mieux supporter le stress de la vie quotidienne.

Coherence donne aux visiteurs de Moynihan Train Hall l’occasion de contempler, de ralentir et de vivre un moment de tranquillité en traversant cet espace public très fréquenté. Chaque écran parcourt un environnement différent avec des mouvements similaires, faisant écho à la façon dont nous fonctionnons tous dans un espace mental et physique unique, mais ayant toujours des parallèles. Le rythme et la séquence des images résonnent avec le flux rythmique des corps humains en déplacement et encouragent les spectateurs à faire une pause et à participer, avec leur propre corps, aux mouvements harmonisés qu’ils voient à l’écran.

Photo par Art Enables

ART ENABLES

Forward: A Group Exhibition, 2024
Impression numérique sur du film vinyle adhésif

Washington Union Station, passage du hangar nord

Art Enables est un studio d'art et une galerie qui se consacre au développement des carrières créatives des artistes qui ont un handicap. Guidé par la conviction que les artistes présentant un handicap sont essentiels à un paysage artistique riche, Art Enables offre une plateforme aux artistes résidents pour développer et exposer leur travail, en créant un espace pour leurs perspectives uniques tout en démantelant les stéréotypes et en célébrant l'inclusion.

Art at Amtrak est fier de présenter le travail dynamique des 22 artistes résidents d'Art Enables à Washington Union Station, offrant ainsi aux voyageurs une fenêtre sur une partie passionnante de la riche communauté artistique du district. Les artistes de cette exposition sont pour la plupart autodidactes et représentent un large éventail stylistique. Certains dépeignent avec une grande précision des paysages naturels et des scènes réalistes, tandis que d'autres utilisent des figures abstraites et des formes changeantes pour insuffler une énergie inattendue à des sujets familiers. Nombreux sont les artistes qui accordent une attention particulière à chaque centimètre d'espace, remplissant ce qui pourrait être décrit comme l'absence de sujet par une profusion de travail au trait.

Ici, six groupes de cinq fenêtres représentent cette diversité visuelle unifiée par différents thèmes. Un horizon continu s'étend sur les paysages de voyage de la série Around the World in Eighty Days, tandis que des rapides lignes colorées traversent Technicolor Wind. Des rayures et des motifs très denses soutiennent des figures humaines dans Holding Pattern. Dans Party Guests et Tide Pool, des formes ludiques bouillonnent, fleurissent et vibrent ensemble dans un espace restreint. Enfin, Born in the Trees partage des vues d'habitats luxuriants d'oiseaux et de fleurs dans des verts vifs et des jaunes couleur beurre.

Photo par Dolby Chadwick Gallery

KATHERINE TZU-LAN MANN

Série Potomac River Shen, 2024
Impression numérique sur du film vinyle adhésif

Washington Union Station, salle d’attente pour les passagers

L'artiste Katherine Tzu-Lan Mann crée des peintures en grand format et des installations en papier qui abordent la mythologie, l'identité et le paysage. Pour Mann, la notion de terre est profondément liée à la compréhension de l'identité culturelle et nationale. Mann peint des domaines abstraits qui s'inscrivent dans les canons chinois et occidentaux de la création de paysages et naviguent parmi eux.

Pour la série Potomac River Shen, Mann utilise la flore et la faune telles que les nénuphars, la laitue d'étang et les trèfles pour construire des images de mondes flottants qui s'étendent à partir de la nature, une référence aux « radeaux de nuages » souvent représentés dans l'iconographie bouddhiste. Ces éléments sont assemblés pour créer des guirlandes géantes qui émanent de la forme d'une palourde située au centre de chaque fresque. Ces figures centrales en forme de palourde représentent les palourdes d'eau douce endémiques du fleuve Potomac, tandis que les parchemins font référence à la documentation des récits historiques et mythologiques qui donnent forme au passé et contribuent à former l'avenir. Les figures de palourdes peintes par Mann font également référence aux monstres de palourdes du folklore chinois, appelés shen, qui créent des mirages de villes, de bâtiments et de mondes entiers à partir de bulles; c'est de ces monstres que la série tire son nom.

En faisant allusion aux mythes des shen et des « radeaux de nuages » à travers l'illustration de créatures et de plantes trouvées dans la rivière locale bien-aimée de Washington, DC, cette peinture murale célèbre la magie et la majesté des plus petits habitants de notre environnement immédiat.

RICO GATSON

Sans titre (Transfert de lumière collectif), 2024
Impression numérique sur du film vinyle adhésif

Rotonde et hall de la Penn Station de New York

La pratique artistique diversifiée de l’artiste new-yorkais Rico Gatson articule visuellement, de manière abstraite, la superposition d’idées et d’inspirations qu’il a considérées tout au long de sa carrière. Ceux-ci incluent la spiritualité, la pratique artistique africaine, locale et autochtone, la musique en tant que force transcendantale, l’illumination en tant que concept, les mathématiques abstraites et le rôle de l’art dans les mouvements de contre-culture et l’identité politique.

Pour Untitled (Collective Light Transfer), Gatson a conçu des compositions géométriques qui continuent de faire référence à ces thèmes. Sa palette de couleurs et son rapport de contraste soigneusement sélectionnés illuminent la station avec une énergie pulsée, tandis que les images riches en motifs évoquent une sensation de rythme et de vibration qui résonnent. Les lignes rayonnantes et les cercles concentriques font écho au mouvement collectif des corps circulant dans Penn Station.

Dans l’ensemble, les créations de Untitled (Collective Light Transfer) s’unissent pour élever, refléter et guider les voyageurs alors qu’ils se déplacent entre la rotonde, le hall, leur train et leur prochaine destination.

TIN & ED

We Are Made of Time, 2024
Animation numérique

Moynihan Train Hall, écrans numériques du hall principal
En partenariat avec Empire State Development

Photo de Seth Nicolas

Vous êtes au Moynihan Train Hall, où tout bouge. Chaussures faisant du bruit, épaules ondulantes et moteurs vrombissant, de l’action gérée par un horaire linéaire, par temps mesuré en minutes. Au-delà du visible, la base du hall est également fait de mouvements. Il utilise le marbre de Tennessee, une roche calcaire formée de coquilles accumulées par les formes de vie marine il y a 460 millions d’années.

We Are Made of Time, une installation vidéo ambitieuse dans le hall de Tin & Ed, performant une magie temporelle en compressant 4.5 milliard d’année de changements géologiques de la Terre en un moment symphonique. Grâce à un logiciel de modélisation procédurale, les artistes ont généré des roches, des minéraux, des fossiles sculptés en 3D et numérisé des éléments, les plaçant dans un paysage panoramique fluide et en constante évolution, soit un paysage non ancré dans le temps linéaire. Dans celui-ci, des surfaces apparemment solides - les fondations sur lesquelles nous marchons, les espaces sculptés traversant les trains à grande vitesse se révèlent être en mouvement, bien que d’une manière que nous ne pouvons généralement pas voir. Ils se déplacent et se fusionnent les uns dans les autres, exposant une planète étonnamment vivante.

Dans la vie quotidienne, le temps est encadré comme exclusivement linéaire : tout en poussant en avant, tout à la fois. We Are Made of Time exhorte les téléspectateurs à sortir de cette structure, à considérer comment les événements géologiques d’il y a des millions d’années se connectent à nous maintenant et comment les événements présents se répercuteront sur la vaste étendue de ce qui est à venir. 

WILIAM KENTRIDGE

Nous fabriquerons des chaussures venues du ciel, 2024
Installation vidéo

Moynihan Train Hall, écrans numériques du hall principal
En partenariat avec Empire State Development

Dans We Will Make Shoes from the Sky de l’artiste sud-africain William Kentridge, un groupe de personnages se tient face à la grande salle d’attente de la gare, confronté à l’agitation des passagers en mouvement en contrebas. Les personnages de chaque vidéo sont basés sur de vraies personnes de différents moments de l’histoire. Certains sont des personnes qui ont fui la France de Vichy vers la fin de la Seconde Guerre mondiale pour la Martinique, puis vers des destinations en Amérique du Nord et du Sud. Les autres personnages présentés étaient des pionniers du mouvement Négritude, qui est une conscience de fierté pour les aspects culturels et physiques du patrimoine africain. Ce mouvement s’est implanté à Paris et a été dirigé par le célèbre écrivain martiniquais Aimé Césaire et son épouse Suzanne Césaire, enseignante, universitaire, militante anticoloniale, féministe et surréaliste. Joséphine Baker, amie de nombreux artistes et intellectuels parisiens, est également de la partie, tout comme James Baldwin, un Américain parti en France pour poursuivre son activisme social et sa liberté d’expression.

Les intellectuels, créatifs, écrivains et artistes représentés constituent également le casting des personnages de la production théâtrale Le Grand Oui, Le Grand Non, que Kentridge a élaboré pour la Fondation Luma et qui fera ses débuts à Arles en 2024 en association. avec le Festival d’Aix-en-Provence. Pour les passagers de la gare ferroviaire de Moynihan, ces personnages offrent l’occasion de faire une pause et de se connecter à ceux du passé qui se sont lancés dans leur propre voyage pour trouver la liberté créative et célébrer l’individualité.

Jay Bird, Duane Blacksheare-Staton, Mara Clawson, Calvin « Sonny » Clarke, Jacqueline Coleman, Jabari Cooper, Josephine Finnell, Payman Jazini, Charmaine Jones, Toni Lane, Helen Lewis, Keith Lewis, Paul Lewis, Raymond Lewis, CeeJ Maples, Charles Meissner, Gary Murrell, Dennis Quillin, Jamila Rahimi, Eileen Schofield, A.T. et Imani Turner.

Organisé par Marissa Long, directrice de la galerie Art Enables et commissaire d'exposition

Suivez Art Enables sur Instagram @artenables ou visitez le art-enables.org.

Chitra Ganesh, née en 1975 à Brooklyn, NY, a obtenu un baccalauréat en art-sémiotique et en littérature comparée de l’Université Brown. Elle a ensuite fréquenté la Skowhegan School of Painting and Sculpture et a obtenu sa maîtrise en arts visuels de l'Université Columbia, à New York, en 2002.

Le travail de Ganesh a été largement exposé aux États-Unis et à l’étranger. Son travail est représenté dans les collections du Museum of Modern Art, NY, États-Unis; du San Francisco Museum of Modern Art, CA, États-Unis; du Whitney Museum of American Art, NY, États-Unis; du Brooklyn Museum, NY, États-Unis; de l’Art Institute of Chicago, IL, États-Unis; du Smithsonian American Art Museum, Washington, DC; de la Ford Foundation, NY, États-Unis; de l'University of Michigan Museum of Art, MI, États-Unis; de la Pennsylvania Academy of Fine Arts, PA, États-Unis; de la Devi Art Foundation, Inde; du Kiran Nadar Museum, Delhi, Inde; de la Saatchi Collection, Londres, Royaume-Uni; de la Burger Collection, Hong Kong; de la Deutsche Bank, entre autres.

Ganesh a reçu de nombreuses bourses et récompenses de diverses organisations, dont la New York Foundation for the Arts; Printed Matter; la Art Matters Foundation; la John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship; la Joan Mitchell Foundation; la Pollock Krasner Foundation et le Lewis Center for the Arts. Elle vit et travaille à Brooklyn, NY.

Katherine Tzu-Lan Mann s'intéresse à la peinture de paysage, à l'environnement et à l'éloignement culturel en réalisant des peintures sur papier et des installations luxuriantes, à l'échelle du cinéma. Celles-ci combinent des aspects romantiques, utopiques et immersifs de la peinture de paysage chinoise et occidentale avec un lexique tiré d'une mythologie personnelle informée par l'identité de Mann en tant qu'Américain d'origine asiatique biracial et de deuxième génération Elle a reçu de nombreuses subventions et bourses et son travail a été exposé au Kreeger Museum, à l'Academy Art Museum, au Walters Art Museum, à l'American University Museum, au Tides Museum, à la Corcoran Gallery of Art, au Rawls Museum, au consulat des États-Unis à Dubaï (Émirats arabes unis) et à l'ambassade des États-Unis à Yaoundé (Cameroun). Mann est basée à Washington, DC, et est représentée par Morton Fine Art.

Suivez l’artiste sur Instagram @ktzulan et découvrez son site Web https://www.katherinemann.net/.

Rico Gatson est un artiste visuel multimédia dont le travail explore les thèmes de l’histoire, de l’identité, de la culture pop et de la spiritualité à travers la sculpture, la peinture, la vidéo et des projets d’art public. Pendant près de trois décennies, il a été célébré pour ses œuvres à plusieurs niveaux politiques, souvent basées sur des moments importants de l’histoire des Noirs tels que les émeutes de Watts, la formation des Black Panthers, l’élection du président Barack Obama et d’autres sujets connexes. En 2019, Gatson a terminé une commande majeure pour MTA Arts & Design intitulée « Beacons » qui est installée à la station de métro 167th Street sur le Grand Concourse. La commission se compose de huit portraits en mosaïque à grande échelle de figures importantes liées au Bronx. Ses œuvres ont été exposées à l’échelle nationale et internationale dans de nombreuses institutions, y compris le Studio Museum à Harlem (New York); The Contemporary Art Museum à l’Université de Floride du Sud (Floride); The Whitney Museum of American Art à New York); The Smithsonian American Art Museum (Washington), et The Essl Museum en Autriche. Gatson est un membre du corps professoral de la School of Visual Arts, NY et NYU et il vit et travaille à Brooklyn, NY.

Suivez l’artiste sur Instagram @rico_gatson et visitez ce site Web milesmcenery.com/artists/rico-gatson.

Tin & Ed étaient de fervents collectionneurs de roches, fouillant la terre à la recherche de trouvailles précieuses, scrutant leurs surfaces à la recherche d’indices sur notre monde. À l’âge adulte, ils ont été attirés par des arrangements formalisés de roches et de minéraux : musées d’histoire naturelle et cabinets de curiosités. We Are Made of Time est, à certains égards, leur collection de roches imaginaires agrandie, libérée des règles d’échelle ou de probabilité. Comme un cabinet de curiosité, il superpose des échelles de temps - des boucles, des motifs et des connexions cosmiques, géologiques et biologiques - à la fois anciens et au-delà de notre vie.

Suivez les artistes sur Instagram @tinanded.

William Kentridge est né à 1955 à Johannesburg, en Afrique du Sud, où il vit et travaille actuellement. S’inspirant souvent des conditions sociopolitiques de l’Afrique du Sud de l’après apartheid, le travail de Kentridge prend une forme de nature expressionniste. Pour Kentridge, le processus de reconstituer l’histoire est construit à partir de fragments reconfigurés pour parvenir à une compréhension provisoire du passé. Cet acte de reconstitution, de démembrement et de réorganisation devient une activité essentielle du studio. Son travail couvre un large éventail de médias artistiques tels que le dessin, la performance, le cinéma, la gravure, la sculpture et la peinture. Kentridge a également dirigé un certain nombre d’opéras et de productions théâtrales acclamés et est récipiendaire de doctorats honorifiques de plusieurs universités, dont Yale et l’Université de Londres. De récentes expositions majeures de son travail ont été présentées au MFA Houston, Texas (2023); Le Broad Museum, Los Angeles (2022); la Royal Academy de Londres (2022); Kunstmuseum Bâle, Suisse (2019). Kentridge a participé à la Documenta (2012, 2002, 1997) ainsi qu’à la Biennale de Venise (2015, 2005, {[ #5]} et 1993).

Suivez l’artiste sur Instagram @williamkentridgestudio et découvrez son site Web www.kentridge.studio.

Conservatrice et productrice d'arts publics récompensée, Debra Simon compte plus de 30 années d'expérience dans la programmation des arts visuels et du spectacle pour le compte d'organisations civiques, de l'industrie de l'immobilier et diverses entreprises. Tandis qu'elle travaillait pour la Downtown Alliance, elle a créé la série de concerts Music at Castle Clinton, Dine Around Downtown, et cofondé le River-to-River Festival en 2002. En tant que directrice de Times Square Arts, Simon a supervisé Midnight Moment, la plus grande exposition d'art numérique au monde sur des panneaux d'affichage électroniques, ainsi que le concours annuel de création de cœur de la Saint-Valentin, parmi d'autres projets destinés aux plus de 300 000 visiteurs quotidiens à Times Square. En tant que directrice artistique chez Brookfield Properties, elle a dirigé un programme artistique national chargé de planifier et d'exécuter une programmation multidisciplinaire avec plus de 500 événements gratuits par an à New York, Denver, Los Angeles et Houston. Ses collaborations avec des artistes, des architectes, des paysagistes, des collectifs artistiques locaux et des partenaires de présentation ont renforcé son expertise dans la création et la réorganisation des espaces publics. Ses clients actuels comprennent Amtrak, Taconic Partners, Hudson Yard Hell's Kitchen Alliance, Fifth Avenue Association et Third Street Music School Settlement. Pour plus d'informations, veuillez visiter le site Debra Simon Art Consulting. Pour L'Art chez Amtrak, Debra Simon collabore avec le producteur Common Ground Arts. Visitez dsimonartconsulting.com pour de plus amples renseignements.

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